Рафаэль Санти. «Автопортрет»
Рафаэль Санти — один из титанов Возрождения наряду с Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти. Свой портрет он написал в 1504–1506 годах, когда ему было 22–23 года. Именно в это время юный художник перебрался во Флоренцию и познакомился с мастерами, которые повлияли на направление его творческих поисков.
Рафаэль перенял у Леонардо живописную технику сфумато — дымчатую манеру письма, которая смягчает контуры и создаёт неуловимые переходы света и тени.
На этом автопортрете она особенно заметна: образ словно окутан лёгкой, воздушной дымкой, придающей лицу мягкость и одухотворённость. Тёмные длинные волосы падают на плечи, взгляд больших карих глаз обращён прямо на зрителя, но в нём нет вызова или самоуверенности. Кто-то видит в лице художника прямоту и простоту, другие улавливают печаль и меланхолию, а для кого-то этот портрет — олицетворение спокойствия и гармонии.
Альбрехт Дюрер. «Автопортрет в возрасте двадцати восьми лет»
Альбрехт Дюрер — немецкий художник, один из выдающихся живописцев Северного Возрождения. Так называют эпоху культурного подъёма в странах северной Европы. «Автопортрет в возрасте двадцати восьми лет», или «Автопортрет в одежде, отделанной мехом», 1500 года — последний и самый знаменитый из трёх больших живописных автопортретов Дюрера.
На более ранних работах художник изображал себя в три четверти. Здесь же Дюрер выбирает строгую фронтальную позу анфас. Для светской живописи того времени это было смелым шагом, потому что такой ракурс традиционно использовался только для изображения Христа.
Симметрия композиции, приглушённый колорит и рука, поднятая к середине груди, усиливают сакральное звучание образа. Портрет кажется строго симметричным, но художник вносит едва уловимую динамику: голова чуть смещена вправо от центра, взгляд направлен влево, а пряди волос мягко падают набок.
Надписи по обе стороны от головы художника будто парят в пространстве. В переводе с латыни они означают: «Я, Альбрехт Дюрер, нюрнбержец, написал себя так вечными красками в возрасте 28 лет». Сознательные отсылки к иконописному канону породили дискуссию: хотел ли Дюрер вознести себя до Христа или просто выразить идею божественной природы творчества? Однозначного ответа на этот вопрос не существует — художник оставил эту загадку потомкам.
Рембрандт. «Автопортрет в возрасте тридцати четырёх лет»
Голландский художник Рембрандт Харменс ван Рейн — один из самых внимательных исследователей собственного «я» в истории искусства. На протяжении сорока лет своей карьеры он создал около ста автопортретов. Вместе они запечатлевают путь от кудрявого юноши до умудрённого жизнью мастера.
«Автопортрет в возрасте тридцати четырёх лет» написан в 1640 году. На нём Рембрандт предстаёт зрелым мастером, который знает себе цену. Он сознательно строит образ состоявшегося человека: уверенная поза, богатая бархатная одежда с расшитым воротником, итальянский берет — характерный атрибут ренессансного портрета. Этот костюм по моде начала XVI века не только демонстрирует статус, но и отсылает к великим предшественникам — Дюреру, Рафаэлю, Тициану.
В глазах художника застыла задумчивость и печаль. Это отпечаток личной драмы: к 1640 году Рембрандт потерял уже троих детей, они скончались в младенчестве.
В этом особенность живописи Рембрандта — внешняя респектабельность не противоречит внутренней боли, а сосуществует с ней.
Гюстав Курбе. «Отчаяние»
Гюстав Курбе — французский живописец XIX века, бунтарь и смелый экспериментатор. Он не боялся эпатировать публику и рушить академические каноны. Его считают одним из основателей реализма, но в ранних работах Курбе отдавал дань и романтизму с его страстями и драматическими переживаниями.
Автопортрет «Отчаяние» 1843–1845 годов как раз стоит на стыке двух направлений. По эмоциональному накалу это чистый романтизм — Курбе здесь ещё выступает как один из последних французских романтиков. Но по манере письма, по интересу к конкретному, реальному человеку, а не абстрактному герою здесь уже чувствуется будущий основатель реализма.
Курбе изобразил себя в минуту сильного душевного смятения. Молодой человек смотрит на нас широко раскрытыми глазами, в которых застыл почти мистический ужас. Брови приподняты в напряжённом удивлении, рот полуоткрыт. Руки подняты к голове: этот жест выдаёт не просто испуг, а глубокое потрясение.
Художник словно заглянул внутрь себя и не побоялся показать зрителю обратную сторону своей натуры.
«Под этой смеющейся маской, под которой вы меня знаете, я скрываю печаль, горечь и грусть, которые овладевают сердцем», — так Курбе писал своему другу Альфреду Брюйасу.
Виктор Васнецов. «Автопортрет»
Говоря о Викторе Васнецове, мы сразу вспоминаем былинно-сказочные сюжеты — его «Алёнушку», «Богатырей» или «Витязя на распутье». Но в творческом наследии художника есть полотна, обращённые не к фольклору, а к самому себе. Первый автопортрет он написал в 1873 году в возрасте 25 лет.
Мастер изображает себя на нейтральном тёмном фоне, что позволяет сконцентрировать внимание исключительно на фигуре художника. На картине мы видим худощавого молодого человека с выраженными скулами и аккуратно подстриженной бородкой. Васнецов одет в коричневую накидку поверх снежно-белой рубашки, на которой аккуратно повязан чёрный бант. Эта деталь вносит изысканность и подчёркивает присущую мастеру опрятность.
Его облик аскетичен, но это не признак слабости или усталости — задумчивый и серьёзный взгляд выдаёт внутреннюю силу и собранность художника.
Васнецов полагал, что главная задача портретиста не выдумывать образ, а максимально раскрыть внутреннюю сущность человека, увидеть его полностью таким, какой он есть.
Этому правилу художник следовал, создавая собственный портрет, который сейчас можно увидеть в Третьяковской галерее.
Илья Репин. «Автопортрет»
Илья Репин — один из самых влиятельных художников второй половины XIX века. Его творческое наследие включает и исторические драмы, и остросоциальные сюжеты, и портреты современников. В 1887 году Репин отправился в Италию, посетил Венецию, Флоренцию, Рим. Художник не раз бывал за границей, но та поездка оказалась особенной — он путешествовал один.
В письмах того времени Репин признавался, что в уединении впечатления ощущаются глубже и ничто не мешает рождаться новым мыслям. Во время той поездки он написал один из автопортретов, который позже пополнил коллекцию Третьяковской галереи.
Полотно 1887 года отличает полупрозрачность и классическая уравновешенность — отсылка к мастерам Возрождения с их дымчатой манерой письма. Здесь Репину 43 года, он в зените славы. Уже написаны «Бурлаки на Волге», «Крестный ход в Курской губернии», «Не ждали» и другие знаменитые шедевры.
Но художник не гордился славой, а скромно называл себя «тружеником на безграничном поле искусства». Поэтому в его взгляде только спокойная уверенность, сосредоточенность и внутренняя гармония.
Зинаида Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет»
Зинаида Серебрякова — одна из первых русских художниц, чьё имя прочно вошло в историю мировой живописи. На картине «За туалетом. Автопортрет» мы видим счастливую молодую художницу, которая безмятежно улыбается, расчёсывая густые тёмные волосы.
Серебрякова написала эту картину в 1909 году — на тот момент ей 25 лет, она в счастливом браке и уже родила двоих детей. Художница живёт в имении Нескучном в Курской губернии и дожидается мужа из командировки, чтобы потом всей семьёй отправиться в Санкт-Петербург.
На переднем плане картины туалетный столик с россыпью мелочей: стеклянные флаконы с жёлтыми и зелёными духами, синяя подушечка со шпильками, расписная шкатулка с бусами. Художница пишет с почти ювелирной тщательностью, предметы играют и переливаются, как драгоценности. Та же цветовая гамма, но чуть приглушённая повторяется в других частях полотна. Серебрякова активно использует белила, которые отражают свет. Поэтому кажется, что фон и фигура художницы не только залиты светом, но и сами излучают его.
В 1910 году картину представили на VII выставке Союза русских художников, где современники встретили её с восхищением. А сразу после выставки полотно приобрела Третьяковская галерея — там его можно увидеть и сегодня.
Фрида Кало. «Автопортрет с терновым ожерельем и колибри»
Мексиканская художница Фрида Кало наиболее известна именно благодаря автопортретам. В 19 лет она попала в тяжёлую автобусную аварию, после которой оказалась прикована к постели. Именно тогда Фрида попросила отца купить ей кисти и краски. Родители приспособили для неё специальный подрамник, позволявший работать лёжа.
Через год художница уже могла вставать с постели, но всю жизнь страдала от проблем со здоровьем и хронических болей. Живопись стала для неё инструментом терапии. В автопортретах художница создаёт отдельную Фриду — ту, на которую можно проецировать боль, страхи и потери.
«Автопортрет с терновым ожерельем и колибри» написан в 1940 году. К тому моменту Кало уже пережила несколько операций на позвоночнике и развод с Диего Риверой. Кало изображает себя строго анфас на фоне крупных тропических листьев. За правым плечом Фриды сидит обезьяна, из-за левого выглядывает чёрная кошка, над головой парят две стрекозы, а в волосы вплетены заколки в виде бабочек.
В автопортретах художница часто окружает себя растениями и животными, но на её картинах человек не доминирует над природой — он растворён в ней.
Шею художницы обвивает ожерелье из терновника с острыми ранящими шипами, при этом лицо Фриды спокойно и невозмутимо. Так художница показывает: боль — неизбежное обстоятельство жизни, но не главное её содержание.
Ответим на ваши вопросы
Свяжемся с вами в течение 5 минут и проведём бесплатную консультацию по вопросам перехода на домашнее обучение
Позвоним с 8 до 21 в рабочие дни
